Mijn Abstracte Kunstproces: Van Schetsboekvonk tot Zinnelijk Doek

Mensen zien de kunstenaar vaak voor zich als een sereen figuur, kwast in de hand, kalm een volledig gevormde visie manifesterend. Hah! Was het maar zo. Mijn creatieve reis, van de eerste rommelige krabbel tot de laatste penseelstreek, is minder een gracieuze ballet en meer een gepassioneerde, vaak onhandige, dans met een zeer eigenzinnige muze. Mijn muze, God zegene haar chaotische hart, overtuigde me eens dat een schilderij uitsluitend uit neon groen en modderbruin moest bestaan. Het was... een fase. Een korte, glorieuze, uiteindelijk overgeschilderde fase. Dit proces, opwindend, frustrerend, diep persoonlijk, en soms, eerlijk gezegd, een beetje gênant, is onmiskenbaar het mijne. Ik zou het op geen enkele andere manier willen. Vandaag wil ik deze ongeziene odyssee delen – een blik achter het voltooide doek in de rommelige, prachtige realiteit van het maken van abstracte kunst, een reis gekenmerkt door zowel bewuste keuzes als toevallige ontdekkingen. Voor mij is abstracte kunst meer dan alleen vormen en kleuren; het is een directe dialoog met het ongeziene, een visueel gedicht dat spreekt over dingen die woorden niet kunnen vatten – de vluchtige aard van vreugde, de stille pijn van introspectie, de grenzeloze energie van het universum. Hierin vind ik een diepgaande vrijheid, een ontsnapping aan het letterlijke, waardoor ik de chaotische schoonheid van emotie, de grenzeloze ruimte van gedachten en de diepe verbondenheid van het bestaan kan verkennen op een manier die figuratieve kunst simpelweg niet kan. Het is een reis die op zijn eigen unieke manier de expansieve en evoluerende geschiedenis van abstracte kunst zelf weerspiegelt, voortdurend grenzen verleggend en expressie herdefiniërend. Voor mij gaat het erom mijn eigen persoonlijke filosofie en artistieke visie in elke streek te vinden.

De Fluisterende Pagina's: Mijn Schetsboek als Toevluchtsoord van Chaos

Mijn reis begint altijd, altijd in een schetsboek. Niet met grootse, uitgebreide plannen, let wel, maar met fluisteringen. Een gevoel, een flits van kleur, een vluchtige vorm uit een droom, een patroon op straat, of een regel uit een gedicht die mijn aandacht trok – soms is het een visceraal schok van ceruleumblauw, andere keren het onrustige gefluister van een kartelige houtskoollijn. Het is in deze pagina's dat de ware, onvervalste ik naar buiten komt. Er is hier geen druk voor perfectie; het is een oordeelvrije zone waar zelfs vreselijke krabbels iets briljants kunnen aanwakkeren. Ik herinner me een pagina gevuld met agressieve, kartelige lijnen en boze rode vlekken – een weerspiegeling van een bijzonder frustrerende ochtend. Op zichzelf zag het er vreselijk uit. Maar weken later, toen ik het opnieuw bekeek, zag ik potentieel voor dynamische spanning. Die rode vlekken, verzacht en gelaagd met blauw, werden het intense brandpunt van een groter werk, een uitbarsting van energie te midden van kalmte, puur omdat ik het 'slechte' idee niet had weggegooid. Deze ongeremde verkenning, heb ik vaak gedacht, weerspiegelt de spontane en intuïtieve markering die te vinden is in het vroege Abstract Expressionisme of zelfs de intuïtieve lijnen van een jonge Paul Klee – waar de hand van de kunstenaar vrij beweegt om innerlijke staten uit te drukken, net zoals een danser improviseert. Of, zoals de automatische tekeningen van het Surrealisme, waar het onderbewustzijn de hand mag leiden, biedt mijn schetsboek een vergelijkbare ongedwongen vrijheid, hoewel mijn intentie minder gaat over droominterpretatie en meer over rauwe emotionele vastlegging.

Dít is ook waar ik experimenteer met een diverse reeks media, veel verder dan alleen potlood. Houtskool, inktwassen, pastels, zelfs kleine collage-elementen vinden hun weg naar deze pagina's, wat bijdraagt aan de heerlijke wanorde. Ik herinner me een specifiek geval waarin ik werkte met dikke, stroperige inkt, die ik liet bloeien en vloeien op de pagina. De onvoorspelbare gevederde randen die het creëerde, aanvankelijk een ongeluk, werden een belangrijk visueel motief in een latere serie, en vormden een zachtere, meer organische benadering van harde vormen op canvas. Een andere keer speelde ik met zand gemengd met acrymedium, waardoor ik tactiele texturen in mijn schetsboek creëerde. Dit leidde tot een grootschalig werk dat maanlandschappen verkende, waarbij die korrelige texturen, aanvankelijk slechts een vluchtig experiment, de essentie van het schilderoppervlak werden. Deze vroege, tactiele verkenning met verschillende texturen en vloeibaarheid helpt het grotere doek te informeren, soms onbewust, door onverwachte visuele wegen te openen in plaats van een vooropgezet idee af te dwingen.

Zenmuseum, Zenmuseum

Deze pagina's zijn de plek waar ik mezelf heerlijk ongeorganiseerd mag zijn. Ze zijn gevuld met snelle gebaren, kleurenstalen die misschien nooit het daglicht zien, en gekrabbelde notities aan mezelf zoals "meer blauw, minder overdenken!" of "Wat als het eruitzag als een verwarde das?" (Vraag het niet, sommige inspiraties kun je beter mysterieus laten.) Het is een vitale, chaotische stap, en als je nieuwsgierig bent naar hoe ik deze eerste stappen benader, heb ik eerder dieper ingegaan op mijn intuïtieve benadering van het starten van een abstract schilderij. Het is echt de plek waar het concept begint te ademen, soms met een zachte zucht, soms met een dramatische zucht. Deze omarming van het imperfecte is ook cruciaal, aangezien ik vaak de onverwachte schoonheid van imperfectie vind in deze vroege stadia. Deze chaotische basis is de vruchtbare grond waaruit grotere visies uiteindelijk zullen voortkomen. Welke 'fluisteringen' hoor jij momenteel in je eigen creatieve ruimte?

De Sprong in het Diepe: Kleine Vonken Vertalen naar Grote Gebaren

Ah, het moment van de waarheid! Een kleine, intieme schets nemen en overwegen hoe deze tot bloei kan komen op een groot doek. De sprong van papier naar doek gaat niet alleen over schaal; het is een diepgaande verschuiving in dialoog, van intiem gefluister naar een gedurfde verklaring, zelfs beïnvloed door de gereedschappen en houding die nodig zijn voor een groter oppervlak. Een delicate lijn in een schetsboek kan een krachtige, dominante streek worden op een groot doek, die een ander soort visueel gewicht en emotionele aanwezigheid vereist, brede armbewegingen en zelfs een ander soort kwast, waardoor de fysieke handeling van het schilderen zelf transformeert. Soms is het een naadloze overgang, een "Oh, natuurlijk!"-moment, waarbij de onderliggende energie van de schets direct vertaalt, en alleen een versterking van het inherente ritme en de flow op grotere schaal nodig heeft. Andere keren voelt het alsof je een kat probeert te leren breien – volkomen onmogelijk en enigszins absurd.

Ik herinner me een specifieke schets: een dynamische compositie van in elkaar grijpende driehoeken in vurige rood- en oranjetinten, barstend van energie. Ik was ervan overtuigd dat het een krachtig grootschalig werk zou worden. Op het doek voelden de grote driehoeken echter stijf en cartoonesk aan, en verloren ze alle spontaniteit. Het was een ramp, niet omdat de vormen inherent slecht waren, maar omdat de intieme energie van de schets niet alleen schaalde; ze verdampte, vervangen door een onhandige nabootsing. In plaats van het te forceren, nam ik gefrustreerd een stap terug en liet ik de initiële energie van de schets een compleet nieuwe richting aangeven. Ik begon de agressieve vormen te bedekken met dunne, doorschijnende glazuren van diep indigo en violet, waardoor vleugjes rood van onderaf gloeiden, waardoor de stijve vormen veranderden in wervelende, etherische wolken. Het werk evolueerde tot "Cosmic Dance No. 3", een sereen maar krachtig werk dat weinig gelijkenis vertoonde met de oorspronkelijke schets, maar de essentie ervan op een nieuwe, onverwachte manier vastlegde.

Maar het is niet altijd een strijd. Ik herinner me een kleine schets van overlappende, vloeiende blauwe en groene vormen, geïnspireerd door het kijken naar golven op een rotsachtige kust. De eenvoud was de kracht ervan. Toen ik het naar een groter doek vertaalde, was de uitdaging niet om het te forceren, maar om die eenvoudige, vloeiende harmonie te behouden. Dit bereikte ik door eerst uitgestrekte kleurlagen aan te brengen, hun transparantie te behouden, en vervolgens met een brede, zachte kwast voorzichtig de overlappende vormen te suggereren, waardoor de kleuren subtiel in elkaar konden vloeien zoals in de oorspronkelijke inktschets. De sleutel was om overbewerking te weerstaan, om de vloeibaarheid van de acrylverf de natuurlijke beweging van water te laten nabootsen, waardoor het gevoel van kalmte werd versterkt. Deze uitdaging is om de spontaniteit en rauwe emotie van het schetsboek te behouden zonder te rigide of, erger nog, te kostbaar te worden. Soms maak ik zelfs kleine maquettes of kleurenstudies op papier of kleine panelen, spelend met kleur mengen om het water te testen voordat ik me vastleg op een grote schaal. Ik herinner me een tijd dat ik worstelde met een levendig groenblauw tegen een diep karmozijnrood – een combinatie die zowel kon zingen als schreeuwen. De oorspronkelijke schets was eenvoudig: twee gedurfde, elkaar kruisende banen kleur. Op een groter doek voelde het karmozijnrood te agressief aan, overweldigend voor het delicate groenblauw. Wekenlang kleine studies, experimenterend met verschillende verhoudingen en de hoeveelheid wit gemengd in het karmozijnrood, leidden er uiteindelijk toe dat ik de dominantie ervan begreep. Het karmozijnrood net zo verzachten, zorgde ervoor dat het groenblauw echt opviel, waardoor een subtiele alchemie ontstond die het hele emotionele register van het stuk verschoof van agressieve spanning naar een levendige, serene harmonie. Of, ik sta gewoon ongemakkelijk lang naar de schets te staren, hopend dat deze zijn geheimen voor het grotere formaat zal onthullen. Het is een beetje alsof je een droom in een vaste structuur probeert te lokken zonder zijn etherische magie te verliezen, maar uiteindelijk gaat het erom te luisteren naar het kunstwerk en te begrijpen wat het wil worden, en zo zijn compositionele reis te begeleiden. Voor meer informatie over hoe ik me voorbereid, kun je lezen over mijn creatieve reis van concept tot doek in abstracte kunst. Deze delicate dans tussen de kleine vonk en het grote gebaar vormt het toneel voor de volgende fase: het doek zelf. Welke sprongen maak jij in je eigen creatieve bezigheden?

https://freerangestock.com/photos/177284/artists-workspace-filled-with-paint-brushes-and-supplies.html, https://creativecommons.org/publicdomain/cc0/

De Doekkronieken: Lagen, Lachen en Kleine Ongelukken

Zodra de kwast het doek raakt, begint het echte avontuur. Dit is waar de dans van intuïtie en intentie zich werkelijk ontvouwt. Ik begin met brede streken, waarbij ik fundamentele lagen aanbreng, vaak eerdere markeringen volledig verbergend. Ik leg misschien een levendige gele onderschildering aan, bedek 80% ervan met een koel blauw, om vervolgens door het blauw heen te krassen om glimpen van die oorspronkelijke warmte te onthullen. Het is als archeologie, verhalen opgraven, maar in plaats van oude beschavingen, graaf ik de verborgen geschiedenis van het stuk zelf op. Elke laag, zelfs die volledig verborgen, laat een onderbewuste energetische afdruk achter, die subtiel het uiteindelijke oppervlak en de resonantie beïnvloedt op manieren die het oog misschien niet bewust registreert, zoals geologische lagen die oude herinneringen of geheimen bevatten. Die initiële vurige rode onderschildering, nu begraven onder koele grijstinten, straalt bijvoorbeeld nog steeds een subtiele warmte uit, als sintels die gloeien onder as, wat een verborgen laag passie toevoegt aan een verder sereen compositie. Dit continue proces van bouwen, vernietigen en herbouwen is ongelooflijk veelzijdig, vooral met sneldrogende acrylverf. Terwijl olieverf een langere open tijd biedt voor mengen en subtiele overgangen, maakt de boterachtige, langzaam drogende aard ervan een ander soort geduldige onderhandeling met het pigment mogelijk. Omgekeerd gebruik ik soms andere media zoals collage-elementen, dikke textuurpasta's of zelfs inktwassen tussen acryllagen, die elk hun eigen unieke stem en diepte toevoegen aan het ontvouwende verhaal.

Ik herinner me levendig een stuk waarbij ik opzettelijk een aanvankelijke vurig rood-oranje onderschildering had bedekt met koele, gedempte grijstinten en blauwen. Mijn intentie was kalmte, maar later leek een dunne, bijna onzichtbare glinstering van dat verborgen oranje van onderaf te gloeien, wat een onverwachte levendigheid en spanning toevoegde die anders niet bereikt had kunnen worden. Het werd het verborgen hart van het stuk, een geheime warmte die van onderaf opborrelde. En ja, er is altijd een moment waarop ik denk: "O jee, ik heb het verpest. Tijd om professioneel croissantbakker te worden." Deze momenten van zelftwijfel zijn net zozeer onderdeel van mijn creatieve flow als de momenten van geïnspireerde doorbraak. Het is in deze worstelingen dat het werk vaak zijn ware diepte vindt.

Deze creatieve reis is ook een diep psychologische. Mijn emotionele toestand sijpelt onvermijdelijk door op het doek. Een periode van intense frustratie kan zich manifesteren als agressieve, verwarde lijnen en een donkerder palet, wat een gevoel van visueel conflict creëert. Omgekeerd brengen momenten van kalmte zachte, vloeiende vormen en harmonieuze kleurmengsels. Het doek wordt een dynamische spiegel van mijn innerlijke wereld, en omgekeerd kan de handeling van het schilderen zelf ongelooflijk kathartisch zijn, een manier om emoties te verwerken en een gevoel van evenwicht te vinden. Het is een constante dialoog tussen mijn innerlijke landschap en het evoluerende kunstwerk, een ware belichaming van expressie. Zelfs bij creatieve blokkades kan simpelweg aanwezig zijn in de studio en een soort markering maken voldoende zijn om door te breken, waardoor de fysieke handeling van het schilderen me terugleidt naar inspiratie. Er is ook een rauwe fysieke kant aan abstracte kunst – de vegende armbewegingen, het buigen en strekken, de ritmische toepassing van verf – het draagt allemaal bij aan de energie die in het doek is ingebed.

Maar hier is de magie: soms zijn die "fouten" de grootste geschenken. Ik heb ooit een fles inkt omgestoten op een bijna afgemaakt stuk. Paniek, natuurlijk. Maar toen ik verwoed probeerde het op te deppen, verspreidde de inkt zich in onverwachte, delicate stroompjes, waardoor een textuur en diepte ontstonden die ik nooit had bedoeld. Het werd het middelpunt, een herinnering dat controle vaak een illusie is, en schoonheid vaak voortkomt uit overgave. Daarom geloof ik zo sterk in de kracht van imperfectie. Het omarmen van het onbekende en het toestaan van toeval is een groot deel van de rol van experiment in mijn abstracte kunst. Hoewel de hulpmiddelen kunnen variëren, van dikke acrylkwasten tot paletmessen voor het schrapen en opbouwen van textuur, blijft mijn kernfilosofie: laat het materiaal spreken, maar begeleid het gesprek.

Zenmuseum, Zenmuseum

Ik luister naar het doek, laat het mijn hand leiden, omarm intuïtie in abstracte schilderkunst. Het is een constante dialoog, een geven en nemen, een moment van intense focus gevolgd door een stap terug om te observeren. Soms werk ik aan meerdere stukken tegelijk, waardoor ik het ene laat rusten terwijl ik het andere aanpak, wat mijn ogen en geest een frisse blik geeft. Als je nieuwsgierig bent naar de omgeving waar al deze chaos (en creatie) plaatsvindt, kun je zelfs een kijkje nemen in mijn abstracte kunststudio. De reis door lagen, lachen en kleine ongelukjes is wat uiteindelijk een schilderij tot zijn unieke conclusie brengt. Welke onverwachte wendingen hebben geleid tot jouw grootste creatieve doorbraken?

https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Painter_David_Brewster_creating_work_for_the_Art_of_Action_project.jpg, https://creativecommons.org/licenses/by/1.0

De Laatste Buiging: Weten wanneer te stoppen

Dit is misschien wel het moeilijkste deel. Wanneer is een schilderij echt "af"? Deze eeuwige vraag is niet alleen een praktische, maar raakt een filosofische stroom die door de kunstgeschiedenis heeft gestroomd, met name bij conceptuele en abstracte werken, en die de noties van voltooiing ter discussie stelt. Kunstenaars van Piet Mondriaan, die zijn rasters eindeloos verfijnde, tot de Abstract Expressionisten, die vaak de daad van het schilderen waardeerden boven een definitief eindpunt, hebben hiermee geworsteld. Voor mij is het niet altijd wanneer elk gepland element perfect is uitgevoerd. Soms is het een onderbuikgevoel, een subtiele verschuiving waarbij het stuk plotseling juist aanvoelt. Dit gevoel wordt vaak gevormd door mijn eigen persoonlijke groei en evoluerende perspectief; naarmate ik verander, verandert ook mijn begrip van wat een voltooid werk moet overbrengen. Het is wanneer het gesprek tussen kleuren compleet aanvoelt, de vormen resoneren met een interne logica, en het stuk als geheel een rustig zoemen van aanwezigheid uitstraalt. Het is ook wanneer de 'visuele ruis' – die elementen die afleiden of om aandacht strijden – zich nestelt, en periodes van negatieve ruimte of visuele rust perfect in balans zijn met de gebieden van activiteit. Het is een moment van visuele stilte, als het laatste akkoord van een symfonie dat wegebt, en een complete, resonante zoem achterlaat die suggereert dat er niets meer aan toegevoegd kan worden, en niets minder voldoende zou zijn. Het is als het bakken van een cake en weten dat hij perfect gaar is, zelfs voordat je hem aansnijdt. Andere keren is het een strijd om te weerstaan aan het toevoegen van "nog één ding" dat uiteindelijk afbreuk zou kunnen doen aan de essentie. Ik heb geleerd dat de laatste penseelstreek vaak geen toevoeging is, maar een verwijdering, een verzachting, of simpelweg de beslissing om weg te stappen. Hoewel het interne gevoel van voltooiing van het grootste belang is, erken ik ook dat de markt of een galerie-omgeving hun eigen percepties van 'af' kunnen opleggen, hoewel deze externe validatie ondergeschikt is aan mijn intrinsieke begrip. De kern ervan, voor mij, ligt in het vinden van dat evenwicht tussen mijn oorspronkelijke intentie en de onafhankelijke evolutie van het kunstwerk, waardoor het zijn eigen verhaal tot een bevredigend einde kan brengen.

Om te helpen bij deze vaak ongrijpbare beslissing, pas ik vaak een paar praktische "tests" toe. Ik bekijk het schilderij in verschillende lichtomstandigheden – natuurlijk daglicht, kunstmatig studiolicht – om te zien hoe het verandert. Een foto maken kan ook een cruciale perspectiefverschuiving bieden, waardoor ik het werk met een frisse, objectieve blik kan zien, bijna alsof het niet langer 'mijn' schilderij is. Het belangrijkste is dat ik de kracht van de "rustperiode" heb geleerd. Ik zet een stuk tegen de studiovlucht aan, soms dagen, soms een week, en werk aan iets anders. Wanneer ik terugkom, zijn mijn ogen gereset, en wordt het antwoord, 'klaar' of 'nog niet helemaal,' veel duidelijker. Ik zou graag horen over jullie eigen 'afgeronde' momenten of knagende twijfels in de reacties hieronder – misschien kunnen we dit mysterie collectief ontrafelen!

De reis van een gekrabbelde gedachte naar een levendig doek is nooit lineair, zelden netjes, en altijd een avontuur. Het is een bewijs van geduld, doorzettingsvermogen en de bereidheid om een beetje verf op je handen (en waarschijnlijk je haar, en zeker je favoriete shirt) te krijgen. Elk voltooid werk draagt een stukje van die reis in zich, een verhaal binnen zijn lagen, klaar om verbinding te maken met iemand anders. En als je enkele van deze voltooide verhalen wilt verkennen, kun je altijd mijn kunst te koop bekijken. Misschien vind je zelfs een stuk dat begon als een verwarde das. Deze voortdurende verkenning van zelf en materiaal, onderbroken door zowel strijd als doorbraak, is het kloppend hart van mijn artistieke leven, en een reis die ik altijd graag voortzet. Welke criteria gebruik jij om te weten wanneer je eigen creatieve inspanningen echt voltooid zijn?

Veelgestelde Vragen Over Mijn Creatieve Proces

V: Begin je altijd met een schets?

A: Ah, het schetsboek! Dat is waar de magie echt begint. Bijna altijd, ja! Mijn schetsboeken zijn mijn speelterrein. Hoewel het uiteindelijke doek sterk kan afwijken van de oorspronkelijke schets, is die eerste verkennende fase cruciaal voor het vastleggen van ruwe ideeën en het op gang brengen van de creatieve sappen. Zie het als een warming-up, een privégesprek vóór de openbare voorstelling.

V: Wat als mijn schetsboekideeën er vreselijk uitzien op doek?

A: Oh, dat gebeurt! Vaker dan je denkt. De schoonheid van abstracte kunst is dat het vaak over evolutie gaat. Ik begon eens aan een groot doek op basis van een schets die ik briljant vond – het eindigde als een modderstroom. In plaats van op te geven, omarmde ik de 'modder'. Ik voegde textuurpasta toe, werkte diepe, aardse groenen en bruinen in door middel van glazuren, en introduceerde vervolgens subtiel metallic accenten met een paletmes, waardoor de 'modderstroom' veranderde in een rijk, geologisch landschap dat hints gaf van verborgen mineralen. Naast glazuren en metallic accenten heb ik succes gevonden met:

• Het toevoegen van collage-elementen: Het toevoegen van gevonden papieren of stoffen om het 'slechte' gebied te doorbreken en nieuwe visuele interesse te creëren.
• Het terugschrapen van lagen: Het onthullen van verrassende texturen en kleuren van onderaf, wat vaak leidt tot onverwachte ontdekkingen.
• Het omdraaien van het doek: Het letterlijk ondersteboven draaien van het werk kan een frisse blik bieden, waardoor 'mislukte' elementen levendige onderlagen worden voor een nieuwe compositie.
• Het gebruik van een rakel: Dit gereedschap kan problematische gebieden volledig herwerken, waardoor nieuwe, expressieve markeringen ontstaan en stijve vormen worden verwijderd.
• Het overschilderen met gesso: Soms is een complete reset nodig. Het aanbrengen van gesso over een 'mislukking' creëert een rijke, gestructureerde ondergrond voor een nieuwe start, waardoor de vorige poging een unieke basis wordt. Het leerde me dat soms het materiaal zelf de weg wijst naar een nieuw idee, en dat het omarmen van "gelukkige ongelukjes" als een bewuste onderdeel van het creatieve proces, samen met meerdere lagen van verfijning, een stuk kan redden of nieuwe richtingen kan inspireren. Wees niet bang om te falen; faal spectaculair en leer ervan! Het is allemaal onderdeel van het proces van het opbouwen van diepte en narratief.

V: Hoe zie jij de rol van falen in jouw creatieve proces?

A: Falen is voor mij geen eindpunt, maar een cruciale omweg op de creatieve kaart. Het is waar het echte leren plaatsvindt. Ik heb doeken geruïneerd, 'modderstromen' gecreëerd (zoals ik eerder al zei!), en naar werken gestaard, me afvragend of ik ze gewoon weg moest gooien. Maar deze momenten van vermeend falen zijn van onschatbare waarde. Ze leren me over materiële beperkingen, onverwachte kleurinteracties en de grenzen van mijn eigen controle. Elke 'fout' is een datapunt, een uitnodiging om verder te experimenteren, om buiten de comfortzones te tappen. Het kweekt veerkracht en nederigheid, en herinnert me eraan dat de meest diepgaande doorbraken vaak voortkomen uit de puinhopen van wat niet werkte. Het gaat erom je los te maken van het resultaat en de reis zelf te omarmen, wetende dat elke markering, zelfs een 'slechte', bijdraagt aan het evoluerende verhaal van het kunstwerk.

V: Hoe lang duurt jouw creatieve proces meestal voor één schilderij?

A: Dat varieert enorm! Sommige kleinere stukken, zoals "Urban Pulse No. 7" – een intense uitbarsting van acryl en inkt – komen misschien in een dag of twee gefocust werk samen. Grotere, complexere werken, zoals "Layered Landscape No. 3," kunnen weken of zelfs maanden in beslag nemen, waarbij lagen drogen en ideeën sudderen, vooral als ik met olieverf werk. Het medium speelt een enorme rol: acrylverf maakt snelle gelaagdheid mogelijk, terwijl olieverf geduld vereist. Zelfs de doekgrootte heeft invloed; een klein stuk kan een sprint zijn, een groot stuk een marathon. Het gaat minder om kloktijd en meer om het natuurlijke ritme van het stuk zelf. Het is echt mijn reis met gemengde technieken en elke reis is uniek.

V: Hoe benader je kleurtheorie of kies je je paletten?

A: Mijn relatie met kleur is zeer intuïtief, bijna visceraal. Hoewel ik een fundamentele kennis heb van kleurtheorie – de impact van complementaire, analoge en triadische schema's kennen – begin ik zelden met een strikt plan. Vaak zal een enkele kleur een heel palet aanwakkeren. Het kan het diepe groenblauw uit een droom zijn, of het levendige oranje van een zonsondergang, en dan bouw ik eromheen, waarbij ik de kleuren op het doek 'met elkaar laat spreken'. Ik voel me aangetrokken tot hoog contrast en rijke verzadiging, maar ik houd ook van de onverwachte harmonie die ontstaat wanneer twee schijnbaar ongelijksoortige kleuren worden gelaagd of naast elkaar worden geplaatst. Ik herinner me een moment waarop ik aanvankelijk een gedurfd, bijna agressief cadmiumrood koos, denkend dat het een stuk zou domineren. Maar door het subtiel te mengen met een zachte roos en vervolgens een doorschijnend ceruleumblauw eroverheen te leggen, veranderde het rood in een pulserende, bijna ademende warmte, waardoor een geheel ander emotioneel register ontstond dan ik oorspronkelijk had voorzien. Experimenteren is de sleutel; ik meng vaak kleuren direct op het doek, observerend hoe ze reageren en in elkaar vloeien, waardoor gelukkige ongelukjes de ontwikkeling van het palet kunnen sturen. Het gaat minder om strikte regels en meer om emotionele resonantie en visuele conversatie.

V: Welke materialen en gereedschappen gebruik je doorgaans?

A: Mijn atelier is een speeltuin van mogelijkheden! Ik werk meestal met hoogwaardige acrylverf vanwege de veelzijdigheid en snelle droogtijd, wat ideaal is voor mijn laagjesproces; ik geef met name de voorkeur aan merken als Golden of Liquitex vanwege hun levendige pigmentbelasting, uitstekende lichtechtheid en gladde consistentie, wat ongelooflijke textuurmanipulatie en subtiele wassingen mogelijk maakt. Soms verwerk ik echter ook olietokken of traditionele olieverf voor rijkere texturen en langere mengtijden, vooral wanneer ik een boterachtig, langzaam drogend effect wil creëren dat acrylverf niet helemaal kan repliceren. Voor ondergronden geef ik de voorkeur aan opgespannen doeken voor grotere werken, en houten panelen voor kleinere, meer experimentele stukken, waarbij ik dol ben op de stevige ondersteuning die hout biedt. Mijn gereedschappen variëren van brede platte kwasten voor grote wassingen, tot kleinere detailkwasten, en een verscheidenheid aan paletmessen voor het schrapen, opbouwen van textuur en het aanbrengen van dikke impasto. Ik gebruik ook regelmatig gelmedia voor extra body, vloeibare media voor gietingen, en diverse tekenmaterialen zoals houtskool en inkten voor initiële markeringen of expressieve lijnen. Elk materiaal biedt een unieke stem en draagt bij aan het mixed media narratief van mijn werk, en vaak dicteert het gekozen materiaal de richting van een stuk.

V: Hoe weet je wanneer een schilderij af is?

A: Dat is de vraag van een miljoen, nietwaar? Voor mij is het een combinatie van intuïtie en een stap terug doen. Wanneer de elementen in balans aanvoelen, de kleuren zingen, en er een zekere harmonie is, zelfs in de chaos, dan weet ik dat het dichtbij is. Soms laat ik een stuk een paar dagen staan en keer dan terug met frisse ogen. Als er niets uitspringt dat verandering behoeft, is het af. Of, preciezer gezegd, het is voor nu af. De "rustperiode" die ik eerder noemde, is hiervoor van onschatbare waarde.

V: Hoe ga je om met feedback of verschillende interpretaties van jouw abstracte kunst?

A: Ah, de prachtige subjectiviteit van abstracte kunst! Dat is een interessante. Abstracte kunst nodigt van nature uit tot persoonlijke interpretatie, wat ik fascinerend vind. Wanneer mensen hun gevoelens of ideeën over een werk delen, luister ik oprecht. Soms onthullen hun inzichten iets wat ik niet bewust had bedoeld, wat een prachtige ontdekking kan zijn en zelfs toekomstig werk kan beïnvloeden. Ik herinner me dat een kijker me vertelde dat een specifiek stuk, dat ik schilderde tijdens een periode van intens verdriet, voor hen een diep gevoel van hoop en vernieuwing opriep. Het veranderde mijn eigen perceptie van het stuk volledig. Andere keren kan hun interpretatie sterk verschillen van de mijne, en dat is helemaal oké. En hoewel de uiteindelijke waarheid van het stuk binnen mijn eigen visie ligt, heb ik ook geleerd dat doordachte, constructieve kritiek, wanneer respectvol aangeboden, een onschatbaar hulpmiddel voor groei kan zijn, en mijn ogen kan openen voor aspecten die ik misschien over het hoofd had gezien. Als een kritiek onterecht of afwijzend aanvoelt, erken ik het simpelweg zonder het te internaliseren – niet elke opmerking is een geschenk. Mijn intentie is eenvoudigweg om een ruimte te creëren voor verbinding en emotie, en als iemand zijn eigen verhaal vindt in mijn markeringen en kleuren, dan is de kunst geslaagd. Uiteindelijk moet het werk voldoen aan mijn interne kompas, maar de dialoog met kijkers is een rijk onderdeel van het verlengde leven van de kunst.

V: Zijn er kunstenaars of stromingen die jouw werk aanzienlijk beïnvloeden?

A: Absoluut! Hoewel mijn proces diep persoonlijk is, sta ik op de schouders van reuzen. De rauwe emotie en gebaarvrijheid van Abstract Expressionisten zoals Joan Mitchell en Franz Kline resoneren diep met mij; Mitchell's onbevreesde, vegende penseelstreken en Kline's krachtige, kalligrafische lijnen zijn ongelooflijk inspirerend, en tonen hoe rauwe energie kan worden vastgelegd. Ik ben ook gefascineerd door de manier waarop Color Field schilders zoals Mark Rothko uitgestrekte kleurvlakken gebruikten om diepgaande emotionele reacties op te roepen, bijna een meditatieve kwaliteit, wat mijn benadering van grote, immersieve kleurvlakken beïnvloedt. Naast historische stromingen vind ik hedendaagse kunstenaars zoals Gerhard Richter, met zijn gelaagde en geschraapte abstracties, en Julie Mehretu, met haar complexe, architectonische lijnen, ongelooflijk inspirerend vanwege hun unieke benaderingen van diepte en energie. Verder vind ik eindeloze inspiratie in de chaos van de natuur – de fractale patronen in bladeren, de manier waarop licht door water filtert, de textuur van verweerd gesteente. Ik word evenzeer geraakt door het ritme van jazz, de complexe verhalen van literatuur, en zelfs de elegante patronen in wetenschappelijke diagrammen, die allemaal de abstracte benadering informeren, en waargenomen energieën en ritmes vertalen naar mijn eigen abstracte taal.

V: Wat is de rol van negatieve ruimte in jouw abstracte kunst?

A: Negatieve ruimte is ongelooflijk vitaal in abstracte kunst; het is niet alleen 'lege' ruimte, maar een actieve deelnemer in de compositie, die het oog leidt en de levendige elementen laat ademen. Het creëert visuele pauzes, een gevoel van balans, en kan zelfs de primaire vormen definiëren. Zonder dit kan een werk verstikkend of chaotisch aanvoelen. Ik creëer bewust gebieden van visuele rust, en gebruik deze om de energie van de geschilderde vormen te versterken en een diepere compositionele harmonie te creëren. Ik gebruik bijvoorbeeld een groot, onbeschilderd oppervlak van gessoed doek om een levendige, energieke uitbarsting van kleur in te kaderen, waardoor de stille eenvoud van de 'lege' ruimte de dramatiek en impact van de geschilderde vormen verhoogt. Het is een bewuste keuze die vaak boekdelen spreekt door zijn stille aanwezigheid.

V: Hoe ga je om met creatieve blokkades of momenten van weinig inspiratie?

A: Ah, de gevreesde blokkade! Het overkomt iedereen, en ik heb geleerd het niet als een mislukking te zien, maar als een signaal om van versnelling te wisselen. Mijn eerste strategie is om er helemaal afstand van te nemen – een wandeling in de natuur, lezen of een museum bezoeken kan de bron weer aanvullen. Soms kan het simpelweg opruimen van mijn atelier, het ordenen van verf of het schoonmaken van kwasten mijn mentale toestand veranderen, waardoor fysieke rommel wordt opgeruimd om ruimte te maken voor nieuwe ideeën. Als dat niet werkt, schakel ik over op een compleet ander medium of techniek, misschien door kleine, experimentele collages of blinde contourtekeningen te maken, gewoon om de hand te laten bewegen zonder druk. Soms bezoek ik oude schetsboeken opnieuw, op zoek naar vergeten vonken. Voor speelse verkenning probeer ik misschien 'automatisch schilderen' – gewoon de kwast laten bewegen zonder bewuste gedachten gedurende een bepaalde tijd, of werken met een beperkt, ongewoon palet om nieuwe ontdekkingen af te dwingen. Het belangrijkste is dat ik zelfcompassie beoefen; een blokkade forceren werkt vaak averechts. Ruimte bieden voor rust en speelse verkenning brengt de muze meestal terug, vaak met een ondeugend nieuw idee op zak.

Deze reis, van het gefluisterde idee in een schetsboek tot de gedurfde verklaring op een doek, is het kloppend hart van wat ik doe. Het is een voortdurende leercurve, een fascinerende verkenning van mezelf en materiaal, en een diepe vreugde. Bedankt dat je meegaat op deze kleine blik achter de schermen! Misschien heeft deze blik in mijn wereld enkele vragen of overwegingen in die van jou aangewakkerd, en ik hoor ze graag in de reacties hieronder. Welke delen van jouw creatieve proces resoneren het meest met deze reis? Welke 'verwarde das'-momenten hebben geleid tot jouw grootste creatieve doorbraken? Je kunt altijd mijn kunstenaarsreis/tijdlijn bezoeken of mijn werken bekijken in het museum in 's-Hertogenbosch.