Kleurveldschilderkunst: Voorbij Rothko (Een Persoonlijke Kijk van een Kunstenaar)
Oké, laten we het over kleur hebben. Niet zomaar 'wat is je favoriete?' kleur, maar het soort kleur dat je raakt als een golf, dat je hele gezichtsveld vult en misschien, heel misschien, je iets diep vanbinnen laat voelen. Ik herinner me de eerste keer dat ik voor een enorme Rothko stond – het was niet alleen naar een schilderij kijken, het voelde alsof ik in een ruimte stapte die gemaakt was van pure emotie. Het was overweldigend, stil en volkomen betoverend, een moment dat echt veranderde hoe ik dacht over wat kunst kon doen. Wanneer de meeste mensen aan dat soort kleur in de kunst denken, stellen ze zich onmiddellijk Mark Rothko voor. En terecht! Zijn werk is iconisch, een toegangspoort tot de kracht van puur pigment. Het is alsof je voor een uitgestrekte, vibrerende ruimte staat die gewoon... bestaat. Bekijk een deel van zijn werk.
Kleurveldschilderkunst kwam echter niet zomaar uit het niets. Het ontstond eind jaren '40 en '50 in New York, naast zijn meer gebarenrijke neef, Abstract Expressionisme. Dit was een cruciaal moment; het zwaartepunt van de kunstwereld verschoof na de Tweede Wereldoorlog van Parijs naar New York, en kunstenaars worstelden met nieuwe manieren om de naoorlogse menselijke conditie uit te drukken. Zie Color Field als een tak van die bredere beweging – onderdeel van de New York School – die besloot zich heel sterk te richten op één ding: kleur. Terwijl Action Painters zoals Jackson Pollock zich volledig richtten op het gebaar en het proces, waren Color Field schilders meer geïnteresseerd in het effect van grote vlakken effen kleur op de kijker. Deze verschuiving van de hand van de kunstenaar naar de ervaring van de kijker was destijds een belangrijk punt van discussie en soms van strijd. Critici zoals Clement Greenberg omarmden Color Field en zagen het als de volgende logische stap in de evolutie van moderne kunst, waarbij ze de nadruk legden op de vlakheid en opticaliteit, wat hielp de beweging te definiëren en te promoten, zij het niet zonder debat. Ze namen elementen die al aanwezig waren in het Abstract Expressionisme – de emotionele kracht van kleur, de grote schaal – en isoleerden deze, waardoor ze het centrale onderwerp werden. Het is ook schatplichtig aan eerdere Europese modernisten zoals Henri Matisse, die de emotionele kracht van pure kleur verkende, en zelfs Monet's late werken, die vorm oplosten in glinsterende velden van licht en kleur.
Als kunstenaar zelf is duiken in Color Field als het verkennen van de bouwstenen van mijn eigen praktijk – het emotionele gewicht, de ruimtelijke mogelijkheden, de pure aanwezigheid van kleur. Het zet me aan het denken over hoe ik kleur gebruik in mijn eigen abstracte kunst en hoe het zijn eigen stille taal spreekt leer daar meer over. Het is een constante herinnering dat soms de eenvoudigste elementen de diepste kracht kunnen bevatten.
Dus, laten we even voorbij de beroemde rechthoeken stappen en de levendige, soms uitdagende, altijd boeiende wereld van de Kleurveldschilderkunst verkennen.
Wat Is Kleurveldschilderkunst Precies? (En Waarom Zou Het Je Iets Kunnen Schelen?)
Oké, laten we ter zake komen. Wat is dit spul eigenlijk? Het doel was niet om iets uit de echte wereld af te beelden, of zelfs om de hand van de kunstenaar te tonen in een dramatische spat. Het ging om het creëren van een meeslepende ervaring, waarbij de kleur zelf het onderwerp, de vorm en de inhoud is. Het canvas werd een veld, een ruimte voor pure visuele sensatie. Het gaat minder om wat er geschilderd is en meer om hoe de kleur je laat voelen, hoe het interageert met de ruimte eromheen, en hoe het je waarneming beïnvloedt. Het daagt je uit om anders te kijken, om het deel van je hersenen dat objecten wil identificeren tot rust te brengen en in plaats daarvan gewoon te ervaren. Het is als luisteren naar instrumentale muziek – je hebt geen tekst nodig om de emotie te voelen, toch? Color Field streeft naar diezelfde directe, niet-representatieve impact. Het is pure visuele sensatie. Het gaat om de optische ervaring, de manier waarop kleur interageert en vibreert op het oppervlak, soms een gevoel van oneindige ruimte of overweldigende aanwezigheid creëert. Het vroeg in mijn reis tegenkomen van Color Field kunst veranderde echt mijn perspectief op kijken – het leerde me te vertrouwen op mijn onderbuikgevoel bij kleur en vorm, in plaats van te zoeken naar betekenis of narratief.
Kernconcepten in Kleurveldschilderkunst: De Ideeën Achter de Kleur
Wil je begrijpen wat een groot canvas met kleur doet tikken? Begrip van Color Field gaat verder dan alleen kijken naar de kunstenaars; het gaat om het vatten van de ideeën die hen dreven. Deze concepten zijn de stille taal die door de doeken wordt gesproken, en ze resoneren diep met mijn eigen artistieke proces. Hier zijn een paar die cruciaal zijn voor het waarderen van het werk:
Vlakheid
Dit was een belangrijk punt. Wegbewegend van illusionistische ruimte, benadrukten Color Field schilders de tweedimensionaliteit van het canvas. De kleur bestaat op het oppervlak, niet terugwijkend in een afgebeelde diepte. Het gaat om de realiteit van het schilderij als object. Zie het als kijken naar een perfect gladde, gekleurde muur versus een schilderij met perspectief – de muur is er gewoon als zodanig, vlak en aanwezig. In mijn eigen werk is het bereiken van een gevoel van vlakheid terwijl ik toch visuele diepte creëer een constante wisselwerking, een directe conversatie met dit idee. Het is verrassend lastig om iets zowel vlak als uitgestrekt te laten aanvoelen tegelijkertijd, alsof je ruimte probeert te vouwen.
All-over Compositie
Veel Color Field schilderijen missen een centraal focuspunt. De compositie is verspreid over het hele canvas, wat het oog aanmoedigt om te dwalen en het hele kleurveld gelijkmatig te ervaren. Het is een democratische benadering van het oppervlak. Voor iemand zoals ik, die vaak in de verleiding komt om iets precies in het midden te plaatsen, is het weerstaan van die drang en het even belangrijk maken van elke hoek van het canvas een echte oefening in discipline. Het dwingt je om na te denken over de randen, de hoeken, het hele verdraaide ding tegelijk.
Schaal
De vaak grote omvang van deze schilderijen is cruciaal. Dicht bij een enorme Rothko of Newman staan, stelt de kleur in staat om je perifere zicht te vullen, waardoor die meeslepende, bijna overweldigende ervaring ontstaat. Schaal gaat niet alleen over groot zijn; het gaat over het veranderen van de relatie tussen de kijker en het kunstwerk, waardoor de kleuromgeving je omhult. Het is iets waar ik constant over nadenk bij het plannen van grotere stukken – hoe verandert de pure omvang de fysieke en emotionele reactie van de kijker? Omhelst het je of duwt het je weg? Het is een krachtig instrument, en eerlijk gezegd, vereist het een grotere studio dan ik momenteel heb!
Het Sublieme
Zoals genoemd bij Newman, is dit concept essentieel. Het is het gevoel iets zo uitgestrekts, krachtigs of ontzagwekkends tegen te komen dat het normale begrip overstijgt. Color Field schilders probeerden dit op te roepen door pure kleur en schaal, waarbij ze narratief of representatie omzeilden. Het is dat gevoel dat je krijgt als je voor een enorm natuurlijk landschap staat, vertaald in pure visuele termen. Proberen dat gevoel van ontzag vast te leggen of zelfs maar te suggereren door abstracte kleur alleen is een van de meest uitdagende en lonende aspecten van mijn eigen artistieke verkenning. Het is alsof je het gevoel probeert te schilderen van staren in de Grand Canyon.
Opticaliteit
De focus ligt op de visuele ervaring zelf – hoe kleuren interageren, vibreren en het oog beïnvloeden. Het gaat minder om het gebaar van de kunstenaar (hoewel techniek essentieel is) en meer om de waarneming van het kleurveld door de kijker. Kleuren die naast elkaar worden geplaatst, kunnen optische illusies creëren, waardoor het oppervlak lijkt te glinsteren, naar voren te komen of terug te wijken. Het gaat om het pure visuele effect, de dans van licht en pigment op het netvlies. Denk na over hoe een felle kleur naast een doffe kleur de felle kleur nog feller doet lijken, of hoe bepaalde kleurencombinaties je ogen kunnen laten trillen. Het is als visuele muziek, maar in plaats van noten heb je tinten en verzadiging die op elkaar inwerken. Het gaat om het effect van kleur op je zicht, in plaats van de fysieke textuur of penseelstreken (hoewel die ook een rol spelen). Het is het verschil tussen het voelen van de textuur van een muur en betoverd worden door een lichtprojectie erop.
De Rol van de Kijker
In tegenstelling tot traditionele kunst waarbij je narratief of symboliek kunt analyseren, vereist Kleurveldschilderkunst vaak een meer subjectieve, ervaringsgerichte betrokkenheid. Je persoonlijke reactie op de kleur, de schaal en de sfeer die door het schilderij wordt gecreëerd, staat centraal in de ervaring. Het gaat minder om wat de kunstenaar afbeeldde en meer om wat het schilderij jou laat voelen. Het legt de bal volledig bij jou, en vraagt je om je eigen emoties en ervaringen mee te nemen naar het kijkproces. Geen spiekbriefje, alleen jij en de kleur.
Voorbij de Sluier: Andere Meesters van het Veld
Dus, wie anders verlegde de grenzen van pure kleur? Hoewel Rothko de naam is die iedereen kent (en terecht, zijn werk is diepgaand – denk aan de diepe, resonerende lagen in een stuk als No. 14, 1960), zijn er andere kunstenaars wier bijdragen even vitaal zijn en verschillende perspectieven bieden op de kracht van kleur. Het verkennen van hen onthult de ware breedte van deze beweging.
Helen Frankenthaler: De Vlek en de Vloeiing
Als Rothko zijn velden opbouwde met zachte, gelaagde rechthoeken, goot Helen Frankenthaler de hare rechtstreeks op onvoorbereid canvas. Deze techniek, stain painting genoemd, omvatte het verdunnen van acryl- of olieverf tot een waterverfachtige consistentie en het laten intrekken in het ruwe canvas. De kleur zat niet op het oppervlak; het werd deel van het oppervlak, waarbij pigment en drager samensmolten. Het elimineerde de zichtbare penseelstreek, waardoor een gevoel van spontaniteit en organische vloeiing ontstond. Het zien van een Frankenthaler, zoals haar baanbrekende Mountains and Sea (1952), is als getuige zijn van kleur die ademt. Het voelt minder gestructureerd, vloeiender, als een moment gevangen in de tijd. Het beïnvloedde zeker hoe kunstenaars dachten over materialen en het canvas zelf. Ik herinner me dat ik ooit een grote Frankenthaler zag, en de manier waarop de kleuren in het canvas bloedden, voelde bijna als kijken naar een gigantische, levendige waterverf – zo anders dan de solide blokken die ik gewend was.
Barnett Newman: De Zip en het Sublieme
Barnett Newman nam een ander pad. Zijn doeken zijn vaak uitgestrekte, enkele kleurvelden onderbroken door dunne verticale lijnen die hij "zips" noemde. Deze zips zijn niet zomaar lijnen; het zijn onderbrekingen, scheidingen en verbindingspunten binnen het kleurveld. Newman was diep filosofisch, bezig met het idee van het sublieme – dat gevoel van ontzag, terreur en transcendentie dat je krijgt bij het confronteren van iets immens en overweldigends, zoals de natuur of het bestaan zelf. Zijn grote schaal en eenvoudige, maar krachtige composities, zoals Vir Heroicus Sublimis (1950-51) of Who's Afraid of Red, Yellow and Blue IV (1969-70), waren bedoeld om dit gevoel direct bij de kijker op te roepen. Als je voor een Newman staat, is het de bedoeling dat je de schaal van de kleur voelt, de spanning die door de zip wordt gecreëerd, en misschien een gevoel van je eigen aanwezigheid binnen die uitgestrektheid. Het is een heel andere ervaring dan de meditatieve gloed van Rothko of de lyrische vloeiing van Frankenthaler. Ik vind het werk van Newman bijna confronterend in zijn schaal en eenvoud – het eist je volledige aandacht op, als een stille schreeuw over een uitgestrekte ruimte.
Clyfford Still: Kartelige Randen en Primitieve Energie
Het werk van Clyfford Still voelt ruiger, elementairder. Hij gebruikte dikke, vaak kartelige kleurvormen die lijken te scheuren of tegen elkaar te duwen. Zijn oppervlakken kunnen dicht en getextureerd zijn, in tegenstelling tot de gladde velden van Rothko of de bevlekte oppervlakken van Frankenthaler. Still was fel onafhankelijk en zag zijn werk als diep persoonlijk en verbonden met het Amerikaanse landschap en een gevoel van het oeroude. Zijn schilderijen, zoals 1957-D No. 1 (1957) of PH-950 (1950), roepen een gevoel van rauwe energie op, van geologische krachten of oeroude vormen die uit het canvas tevoorschijn komen. Ze vereisen een ander soort betrokkenheid, minder gericht op pure opticaliteit en meer op de fysieke aanwezigheid en textuur van de verf en de vormen. Kijken naar een Still voelt als kijken naar de rauwe, ongetemde rand van iets uitgestrekts. (Hij was zeker niet bezig met delicate wassingen).
Morris Louis: Sluiers, Ontrolde Doeken en de Kracht van Gieten
Morris Louis, sterk beïnvloed door Frankenthaler's staining techniek, ontwikkelde zijn eigen onderscheidende methoden om verdunde acrylverf op onvoorbereid canvas te gieten. Zijn beroemde series omvatten de Veils, waarbij doorschijnende kleurwassingen elkaar overlappen om glinsterende, atmosferische effecten te creëren (bijv. Alpha-Phi, 1961), en de Unfurleds, waarbij stroompjes levendige kleur langs de randen van het canvas naar beneden vloeien, waardoor het midden ruw en leeg blijft (bijv. Saraband, 1959, of Where, 1960). Het werk van Louis draait volledig om de gecontroleerde vloeiing van vloeibare kleur, de manier waarop het zich ophoopt en verspreidt, waardoor lichtgevende effecten ontstaan die zowel doelbewust als organisch aanvoelen. Het is een pure viering van de inherente eigenschappen van kleur en het proces van het laten bewegen over het oppervlak. Er is een stille elegantie in de gietingen van Louis, alsof je naar vloeibaar licht kijkt. Louis was, samen met Noland, een sleutelfiguur in de Washington Color School, een regionale beweging die de mogelijkheden van stain painting en kleurinteractie verder verkende.
Kenneth Noland: Doelen, Chevrons en Gevormde Doeken
Kenneth Noland bracht een gevoel van geometrische precisie naar de Kleurveldschilderkunst. Hij staat bekend om zijn series Targets (concentrische cirkels, zoals Beginning, 1958), Chevrons (V-vormen, zoals Trans Shift, 1964), en Stripes (bijv. Via, 1964). In tegenstelling tot de meer atmosferische of gebarenrijke benaderingen, wordt het werk van Noland gekenmerkt door heldere, gedefinieerde vormen en levendige, vaak hoog-key kleuren. Hij experimenteerde ook met shaped canvases, waarbij hij afweek van de traditionele rechthoek om de vorm van het schilderij te integreren met de compositie zelf. Het werk van Noland is een directe verkenning van kleurrelaties en hoe ze interageren binnen een gedefinieerde structuur. Het is strak, gedurfd en richt zich puur op de visuele impact van kleur en vorm. Het werk van Noland voelt als een vreugdevol, precies experiment in pure kleurharmonie (misschien de droom van een pietje-precies van kleur?). Net als Louis was Noland een centraal figuur in de Washington Color School. Je kunt geweldige galerieën vinden in DC om een deel van dit werk te zien.
Sam Francis: Lichtgevende Velden en Cellulaire Vormen
Een andere kunstenaar die zich bezighield met grote kleurvelden, zij het vaak met een andere energie, was Sam Francis. Hoewel soms geassocieerd met Abstract Expressionisme, neigde zijn werk vaak naar de uitgestrekte, lichtgevende kwaliteiten van Color Field. Francis staat bekend om zijn grote doeken met levendige, vaak gedruppelde of gegoten, kleurvlakken afgewisseld met witte ruimte, waardoor een gevoel van licht en luchtigheid ontstaat. Zijn latere werken, met hun cellulaire of webachtige structuren, verkennen nog steeds de interactie van kleur en ruimte, maar met een vloeiendere, kalligrafische kwaliteit dan de harde vormen van Noland of de solide blokken van Rothko. Het zien van een Francis, zoals Blue and Yellow (1954-55), voelt als kijken naar een levendig, ademend organisme van kleur en licht. Het laat zien hoe de kernideeën van Color Field op diverse manieren geïnterpreteerd konden worden.
Andere Stemmen: Jules Olitski, Sam Gilliam, en Verder
Kunstenaars zoals Jules Olitski, bekend om zijn gespoten kleurvelden (bekijk High a Yellow, 1967), en Sam Gilliam, die Color Field van de muur haalde met zijn gedrapeerde en opgehangen doeken (zoals Cascade, 1968), verlegden de grenzen van de beweging verder. Het werk van Olitski heeft vaak een mistige, etherische kwaliteit, terwijl Gilliam's werk een sculpturale dimensie introduceert, waardoor de kleur op nieuwe manieren met de ruimte kan interageren. Deze kunstenaars laten zien dat zelfs binnen de focus op kleur, er immense ruimte was voor innovatie en persoonlijke expressie, wat bewijst dat de beweging niet statisch was, maar bleef evolueren en latere kunst beïnvloedde. Je zou zelfs echo's kunnen zien in kunstenaars zoals Kenneth Kemble of Alma Thomas, die vergelijkbare ideeën over kleur en vorm in verschillende contexten verkenden.
Materialen, Technieken en Lessen voor Kunstenaars
Vanuit het perspectief van een kunstenaar is Kleurveldschilderkunst een masterclass in materialen en proces. Frankenthaler's stain painting, Louis's gieten, Olitski's spuiten – dit waren niet zomaar stilistische keuzes; het waren fundamentele verkenningen van hoe verf zich gedraagt en interageert met de drager. Ze gebruikten vaak acrylverf, die in de jaren '50 breed beschikbaar werd en dunnere wassingen en snellere droogtijden mogelijk maakte dan olieverf, cruciaal voor technieken zoals staining en gieten. In tegenstelling tot olieverf, die meer op het oppervlak blijft liggen en oplosmiddelen vereist voor verdunning tot deze mate, kan acrylverf met water worden verdund en direct in de ruwe canvasvezels trekken, waardoor dat unieke bevlekte effect ontstaat waarbij de kleur één wordt met de drager. Het gebruik van vloeibare acrylverf of verdunningsmiddelen om die perfecte vloeiing en absorptie te krijgen, zoals Louis deed, vereist serieuze experimentatie. En het beheersen van die grote gietingen? Veel moeilijker dan het lijkt, geloof me. Het vereist een diep begrip van het medium en een bereidheid om onvoorspelbaarheid te omarmen. Bovendien is de pure fysieke inspanning van het werken op doeken die soms zes meter breed zijn geen grap. Je schildert niet alleen met je hand; je gebruikt je hele lichaam, beweegt over de vloer, worstelt met enorme stukken stof. Het is een training!
Wat kunnen hedendaagse kunstenaars leren? Heel veel. Color Field leert ons de kracht van:
- Focus: Jezelf toewijden aan het verkennen van een enkel element, zoals kleur, kan ongelooflijke diepte opleveren.
- Materialen: Begrijpen en experimenteren met hoe je gekozen medium zich gedraagt, is essentieel om nieuwe mogelijkheden te ontsluiten. Ik heb talloze uren besteed aan het spelen met hoe verschillende pigmenten interageren of hoe dunne wassingen in verschillende papiersoorten of doeken trekken. Het is een directe lijn terug naar de Color Field jongens.
- Schaal en Omgeving: Hoe beïnvloedt de grootte van je werk en de ruimte waarin het wordt getoond de ervaring van de kijker? Color Field schilders waren zich hier scherp van bewust. Een kleine kleurstudie voelt heel anders dan een enorm canvas dat een kamer domineert. Het is als het verschil tussen muziek luisteren met oordopjes versus het voelen in een concertzaal.
- Emotionele Impact: Kleur alleen, zonder afbeeldingen, kan een immense emotionele lading dragen. Hoe kun je dat benutten? Dit is iets waar ik constant mee worstel in mijn eigen werk – hoe ik een kleurencombinatie een bepaald gevoel kan geven zonder iets specifieks af te beelden. Het is een fascinerende uitdaging.
Het zet me aan het denken over mijn eigen proces, hoe ik mijn pigmenten kies, hoe de textuur van het canvas ertoe doet, en hoe het uiteindelijke stuk zal aanvoelen in een ruimte, of het nu een galerie is zoals deze geweldige of iemands huis misschien wel het jouwe?. Je kunt zelfs een deel van mijn reis terugzien in mijn timeline.
Het Adresseren van de "Is het gewoon..." Vraag
Ah, de klassieke vraag. Ik hoor mensen vaak naar Color Field schilderijen kijken en vragen: "Zijn het gewoon grote kleurblokken?" of "Mijn kind zou dat kunnen!" En ik snap het helemaal. Op het eerste gezicht kan de eenvoud bedrieglijk zijn. Ik had zelfs eens een familielid dat naar een van mijn abstracte stukken keek en zei: "Nou, dat is... kleurrijk." Het is gemakkelijk om af te doen wat eenvoudig lijkt.
Maar net zoals een minimalistisch muziekstuk niet alleen een paar noten is, is Kleurveldschilderkunst niet alleen kleur. Het is de culminatie van decennia van artistieke evolutie, een doelbewuste weglating van representatie en gebaar om tot de kern van de visuele ervaring te komen. Het gaat om de specifieke gekozen kleuren, hun relaties, de schaal, de textuur, de subtiele variaties binnen het veld, en de intentie van de kunstenaar om een bepaald gevoel of een bepaalde ervaring te creëren. Waarom is het moeilijker dan het lijkt? Omdat het bereiken van dat specifieke, resonerende effect met alleen kleur ongelooflijke controle, intuïtie en een diep begrip van kleurenleer en hoe pigmenten interageren vereist. Het is niet zomaar verf op een canvas smeren; het gaat om het zorgvuldig orkestreren van een visuele ervaring. Het vereist van de kijker om te vertragen, te kijken zonder te proberen te identificeren, en simpelweg de aanwezigheid van het werk te voelen. Het is een uitdaging, ja, maar een lonende. En eerlijk gezegd, als je kind wel een schilderij kan maken dat het sublieme oproept of een werkelijk meeslepende optische ervaring creëert, dan ja, misschien zijn ze wel een genie! Maar het is moeilijker dan het lijkt, geloof me.
Het is ook de moeite waard om op te merken hoe Color Field verschilt van Minimalisme, dat later kwam. Hoewel beide vaak eenvoudige vormen, grote schaal en de objectheid van het werk benadrukken, probeerde Minimalisme vaak de hand van de kunstenaar en emotionele inhoud te verwijderen, en richtte het zich op industriële materialen en pure vorm. Color Field, ondanks zijn eenvoud, is diep bezig met emotie, het sublieme en de subjectieve ervaring van kleur. Het is minder 'wat je ziet is wat je ziet' en meer 'wat je voelt is wat je krijgt'.
De Blijvende Kracht en Erfenis van Kleurveld
Kleurveldschilderkunst, geboren uit de intensiteit van Abstract Expressionisme en de bredere New York School, heeft zijn eigen krachtige plek in de kunstgeschiedenis veroverd. Het verlegde de grenzen van wat schilderkunst kon zijn, door zich te richten op de fundamentele elementen van kleur en vorm om meeslepende, emotionele ervaringen te creëren. Van Rothko's meditatieve ruimtes tot Newman's sublieme zips, Still's rauwe energie, Louis's vloeiende sluiers, Noland's precieze structuren en Francis's lichtgevende velden, deze kunstenaars toonden de ongelooflijke reikwijdte en diepte die mogelijk is wanneer kleur centraal staat.
De invloed van de beweging strekt zich uit tot buiten de kerngroep. Het effende het pad voor latere ontwikkelingen zoals Post-Painterly Abstraction en aspecten van Minimalisme, en de nadruk op de emotionele en optische kracht van kleur resoneert nog steeds bij hedendaagse kunstenaars die vandaag de dag werken. Je ziet echo's van de zorgen ervan in alles, van grootschalige abstracte muurschilderingen tot digitale kunst die kleurverlopen verkent. Het heeft zelfs een connectie met de Washington Color School via kunstenaars zoals Louis en Noland.
Voor mij, als kunstenaar, is het een constante herinnering aan de diepgaande impact die kleur heeft, onafhankelijk van het onderwerp. Het is een les in het vertrouwen op de kracht van het visuele zelf, en in de eindeloze mogelijkheden die ontstaan wanneer je durft te vereenvoudigen en te focussen. Het moedigt me aan om te blijven verkennen, te blijven experimenteren en de grenzen van mijn eigen werk te blijven verleggen zie mijn reis. Het beïnvloedt zelfs hoe ik denk over het tentoonstellen van kunst in mijn eigen ruimte of het aanbevelen ervan aan anderen vind kunst voor je huis.
Dus de volgende keer dat je een groot canvas vol kleur tegenkomt, neem even de tijd. Stap dichterbij, stap terug. Laat de kleur over je heen spoelen. Probeer het niet te doorgronden, voel het gewoon. Misschien voel je wel iets onverwachts, iets diep in het veld. Misschien word je zelfs geïnspireerd om te onderzoeken hoe kleur je eigen ruimte of creatieve inspanningen beïnvloedt.